7 приемов композиции, которые фотографы могут заимствовать из фильмов

Кино — бесценный источник вдохновения и идей для фотографа. Там можно найти огромное количество приемов для своих снимков: свет, композиция, колористика, стиль, работа с актером как с моделью.

Настя Одинцова, семейный фотограф и соавтор курса «Дети в фокусе», поделилась с нами своими любимыми фильмами и рассказала о «киношных» приемах композиции, которые помогут сделать фотографии яркими и интересными. Уверены, что после этой статьи вы будете смотреть фильмы совершенно под другим углом.

Я часто смотрю кино с точки зрения фотографа и анализирую композицию, свет, цвета. Это помогает развивать насмотренность и подбирать гармоничный гардероб, подмечать места для съемок, использовать цвет и линии в кадре.

В этой статье я собрала кадры из пяти моих любимых фильмов: «Амели», «Свет в океане», «Невероятная жизнь Уолтера Митти», «Девушка из Дании» и «Поезд на Дарджилинг. Отчаянные путешественники». Их создали абсолютно разные режиссеры, но их объединяет одно — классная композиция. Давайте вместе попробуем посмотреть на нее глазами фотографа.

Многоплановость

В фотографии принято выделять передний, средний и задний план. Когда снимок многоплановый, это создает объем и зритель может глубже погрузиться в кадр. Обычно это достигается благодаря широкоугольной оптике и закрытой диафрагме. Многие фотографы не любят использовать такие объективы, потому что на фотографиях появляется много «мусора» — гораздо проще спрятать все ненужное за красивым боке. Однако часто именно за счет многоплановой композиции в кадре рождается сюжет, показывается объем и создается история.

Посмотрите, как на этих стоп-кадрах освещены персонажи. Несмотря на то, что герои освещены даже на дальних планах, акценты расставлены так, что главный герой — это композиционный центр кадра — отлично считывается.

Многоплановые кадры из фильмов «Невероятная жизнь Уолтера Митти» и «Девушка из Дании»

Самое главное правило многоплановости — планы не должны перекрывать друг друга. Посмотрите, как расположены герои на этих стоп-кадрах. Как они стоят? Почему именно так? Оказывается, здесь нет случайностей: все персонажи стоят идеально и ни один из них не перекрывает другого. Получить такой кадр можно при закрытой диафрагме, чтобы прорисовать все планы.

Многоплановые кадры из фильмов «Поезд на Дарджилинг. Отчаянные путешественники» и «Амели»

Голландский угол

Голландский угол — это намеренный завал линии горизонта. При этом важно, чтобы на фото были вертикальные линии. Они придают композиции устойчивость, поэтому кадр перестает визуально «падать». Если вы случайно сняли немного криво, не спешите удалять снимок и сначала проанализируйте: возможно, заваленный горизонт сделал фотографию более эффектной.

Голландский угол помогает создать динамику в кадре. Его часто используют, чтобы разнообразить диалоговые сцены или передать какое-то напряжение у героя. Например, так этот прием использовали в фильме «Амели».

Голландский угол в кадрах из фильма «Амели»

Фрейминг

Хороший способ выделить композиционный центр и акцентировать внимание на объекте съемки — использовать фрейминг. В переводе с английского «фрейминг» значит «обрамление». Другими словами, это рамка.

Естественные и искусственные рамки можно найти везде. Например, на стоп-кадрах ниже это окна поезда и дверной проем.

Кадры с рамками из фильмов «Поезд на Дарджилинг. Отчаянные путешественники» и «Свет в океане»

Рамка может быть как на переднем, так и на заднем плане. При этом она даже не обязательно должна быть цельной. Это могут быть и несколько предметов, которые зрительно образуют рамку.

Посмотрите на кадры из фильмов. В них используются разные варианты рамок на переднем плане. На первом стоп-кадре это оконный проем. Здесь сразу две рамки, которые визуально делят кадр пополам. Это намекает зрителю, что люди не вместе и их дороги скорее всего уже не сойдутся. А на втором кадре модель снята внутри зеркала. Благодаря фреймингу композиционный центр воспринимается как картина, висящая на стене.

Кадры с рамками из фильмов «Девушка из Дании» и «Амели»

Симметрия

Симметрия — это мощный прием композиции, который подсмотрен у природы. Вы каждый день видите вокруг себя симметрию: вертикальная — тело человека, горизонтальная — отражение в озере, радиальная — цветок или снежинка.

Если вы хотите прокачать свои фотографии потрясающе ровной симметрией, то вам обязательно нужно посмотреть фильмы Уэса Андерсона. В них локации настолько утрированы своей симметричностью, что это выглядят просто потрясающе. Ниже несколько кадров из фильма Уэса Андерсона «Поезд на Дарджилинг», но я советую обязательно посмотреть еще и киноленту «Отель „Гранд Будапешт“» — там «симметрия еще более симметрична».

Симметрия в фильме «Поезд на Дарджилинг. Отчаянные путешественники»

Не всегда симметрия должна быть точной, как отражение в зеркале. Равновесие может быть задано схожими элементами в противоположных частях фотографии. Посмотрите на примеры ниже. Здесь два стоп-кадра, части которых имеют явные различия. Однако, они выглядят очень симметрично.

Особенно интересен второй скриншот. Часто в симметрии композиционный центр находится по центру кадра. Благодаря отражающему предмету, который находится перед камерой, у главного героя появляются интересные отражения. Похожего эффекта можно добиться, если приставить к объективу предмет с отражающей поверхностью. Например, для плотного и контрастного отражения подойдет экран мобильного телефона, а для полупрозрачного — стекло.

Симметрия в фильмах «Девушка из Дании» и «Свет в океане»

Направление взгляда

Часто в фильмах оставляют воздух и пространство для взгляда героев. Так в кадре появляется сильная эмоция. А иногда это правило наоборот нарушается. Например, режиссер Том Хупер в фильме «Девушка из Дании» экспериментирует с широкоугольной оптикой и располагает героев критично близко к границам кадра. Посмотрите на второй стоп-кадр: взгляд героя будто упирается в незримую границу.

Этот прием позволяет играть с пространством. Представьте человека, который куда-то идет. Если мы оставим больше места по направлению движения, появится ощущение, что человек приближается к месту назначения. А если оставим больше пространства позади героя, будет казаться, что он отдаляется от своей цели.

Разное направление взгляда в кадрах из фильмов «Невероятная жизнь Уолтера Митти» и «Девушка из Дании»

Выбор цветов

Цвет — один из самых очевидных элементов композиции. Его постоянно используют в кино, чтобы привлечь внимание, расставить акценты или создать нужное настроение. Я выделила несколько способов работы с цветом, которые можно использовать.

Цветовая палитра

Часто в фильмах выбирают определенную цветовую гамму, которая держится на протяжении всей киноленты. Например, в фильме «Невероятная жизнь Уолтера Митти» три основных цвета: красный, синий и желтый. Они выдержаны везде, даже в натюрморте с обычной едой в самолете.

Три основных цвета в фильме «Невероятная жизнь Уолтера Митти»

Иногда цвет помогает передать мысль и замысел намного глубже. Посмотрите на стоп-кадр ниже. Здесь отсылка к фильму «Матрица», где главный герой выбирал пилюлю красного цвета, потому что синий означал конец пути.

Использование цвета в фильме «Невероятная жизнь Уолтера Митти»

Монохром

Многие ошибочно считают монохромными черно-белые фотографии. На самом деле в монохроме за основу берется один цвет и его оттенки — тогда фотография обычно получается мягкой и гармоничной. Чтобы получить монохромную картинку, можно специально одевать моделей в одежду нужного цвета, тщательно настраивать баланс белого на камере и т.д. Такой композиционный прием помогает зрителю сосредоточиться на происходящем, не отвлекаясь на детали.

Монохромные кадры из фильмов «Поезд на Дарджилинг. Отчаянные путешественники» и «Амели»

Цветовой акцент

Любимый прием многих фотографов и операторов — цветовой акцент. Это яркое цветовое пятно, которое приковывает взгляд. Обычно так выделяют главный объект съемки.

Посмотрите на кадры из фильма «Амели». Вся картина снята в трех основных цветах: желтый, красный и зеленый. Однако на некоторых кадрах присутствуют вкрапления ярко-синего. Это холодный цвет, который явно доминирует на фоне теплых оттенков. Такой акцент может показаться спорным, ведь синие предметы не главные в кадре. Но я бы сказала, что это небольшое нарушение правил — выход за границы привычного, которое имеет место быть в любом творчестве.

Цветовые акценты в фильме «Амели»

Направляющие линии

Направляющие линии — это еще один способ сделать акцент. Они ведут в композиционный центр и играют огромную роль в том, как мы воспринимаем образ. При этом они могут быть разными. Вертикальные обычно создают динамику в кадре, а горизонтальные настолько привычны, что дарят ощущение покоя и стабильности.

Для примера я отобрала необычные варианты использования направляющих линий. В кадре из фильма «Амели» сразу несколько линий, направляющих взгляд к человеку. И самая главная из них — стрелка со словом «toilettes». Это бесподобный прием, который не только указывает нам на главного героя, но и раскрывает информацию о нем. И действительно, в фильме этот персонаж несет отрицательную роль: у него грязный рот, и направляющая линия нам на это указывает.

Во втором кадре нет явных направляющих, но они создаются благодаря линиям взгляда людей, расположенных по бокам от композиционного центра. Одновременно герой выделен светом, что усиливает акцент.

Использование направляющих линий в фильмах «Амели» и «Невероятная жизнь Уолтера Митти»

Конечно, в кино еще много композиционных приемов, которые можно перенести в фотографию. Каждый режиссер и оператор видит композицию по-своему, поэтому не стоит ограничиваться этими пятью фильмами. Я рекомендую еще несколько кинокартин, которые помогут развивать насмотренность:

• «Королевство полной луны»,
• «Отель „Гранд Будапешт“»,
• «Соль Земли»,
• все фильмы Андрея Тарковского.

Мне хочется, чтобы после просмотра вы научились смотреть фильмы под другим углом, замечать свет, цвет, композицию. И, конечно, использовать эти приемы в своих фотографиях.